Vairumati ist ein Gemälde von Eugenè Henri Paul Gauguin. Es hat eine Größe von 73,5 × 92,5 cm. Der Maler hat es im Jahre 1897 zur Zeit seines zweiten Tahiti-Aufenthalts mit Ölfarben auf eine Leinwand gemalt. Signiert, betitelt und datiert ist es unten links: Vairumati 97 P. Gauguin. Es stellt eine Inselbewohnerin, posierend auf einem ornamentierten Stuhl, dar. Es befindet sich im Pariser Musée d’Orsay.
| Vairumati |
|---|
| Paul Gauguin, 1897 |
| Öl auf Leinwand |
| 73 × 94 cm |
| Musée d’Orsay |
Werkimmanente Analyse Bearbeiten
Im Mittelpunkt des Bildes befindet sich ein reich verzierter, goldener Stuhl mit einer breiten Sitzfläche, der zusammen mit der darauf sitzenden Tahitianerin einen Großteil des Bildes ausfüllt. Sie trägt nur ein um ihre Hüfte gewickeltes graues Tuch. Wie in den meisten tahitianischen Werken Gauguins ist diese Figur mit freiem Oberkörper dargestellt.
Ein weiterer, bedeutender Bildbestandteil ist ein symbolisch anmutender Vogel am linken Bildrand in der unteren Bildhälfte, der sich durch ein hellgelbliches Federkleid und einen angelegten Kopf mit orangefarbenem Schnabel auszeichnet. Mit seinen Krallen hält er eine unter ihm auf den Boden gedrückte schwarze Eidechse fest.
Im rechten oberen Bildrand – im Bild weiter hinten situiert – befinden sich zwei weitere, hintereinander auf dem Boden hockende tahitianische Mädchen. Da beide von dem Stuhl im Vordergrund teilweise verdeckt werden, kann man ihre Aktivitäten nicht eindeutig erkennen. Festzustellen ist jedoch, dass die Bekleidung der sich näher am Bildrand befindenden Tahitianerin der Bedeckung des im Vordergrund sitzenden Mädchens ähnelt. Ganz hinten im Bild malte Gauguin zur Sichtbegrenzung des Bildes eine relativ monotone Vegetation von gelben und grünen Büschen.
Typisch für Paul Gauguin ist auch die in Vairumati vorhandene Räumlichkeit. Zum einen sind die Größenverhältnisse weitgehend korrekt, was beispielsweise an den verkleinert dargestellten Tahitianerinnen im Hintergrund zu belegen ist. Zum anderen sind im Bild Räumlichkeit schaffende Überschneidungen vorhanden, wie etwa der Stuhl, der die weiter hinten sitzenden Mädchen teils verdeckt, oder die vorderste Tahitianerin, die Teile des Stuhls verbirgt.
Auch korrekt angewendet hat Gauguin die Fußpunktlage. So sind die sich weiter hinten im Bild befindenden Tahitianerinnen sowie die Vegetation ganz im Hintergrund nach oben versetzt.
Was im Bild Vairumati einem Sfumato nahekommt, ist die nach hinten zunehmend geringere Detaildichte, die besonders bei einem Vergleich zwischen den hinteren Büschen und dem Stuhl auffällt. Während die Vegetation lediglich durch viele, einfache Pinselstriche dargestellt ist, weisen das Muster des Polsters und die Gravuren in der Lehne des Stuhls einen höheren Detailreichtum auf.
Es ist eine gewisse Plastizität im Bild vorhanden, die durch Schattierungen erzeugt wird. Zu beobachten ist dies vor allem am Beispiel des Vogels am linken Bildrand. Schattierungen sind unter dem linken Flügel erkennen.
Die Stofflichkeit der Motive des heute im Musée d’Orsay in Paris ausgestellten Bildes ist ebenfalls nur schwer auszumachen. Die Wahrnehmung der Stoffe wird durch die Assoziation bei den dargestellten zweidimensionalen Formen und nicht durch die Präzision beim Farbauftrag verursacht. Zum Beispiel stellte Gauguin bei der beigefarbenen Bekleidung der Tahitianerinnen Falten dar, die einen textilienartigen Eindruck hinterlassen. Weitere Motive, deren Stofflichkeit schlecht auszumachen ist, sind das Federkleid des Vogels, das ohne den Zusammenhang nicht als solches erkennbar wäre, und die Haut der Echse, die flächig schwarz statt schuppig dargestellt ist. Wirklichkeitsgetreuer ist dagegen die Darstellung des Stuhls.
Mit Ausnahme des Stuhls mit seinen Verzierungen sind die Bildmotive sehr undetailliert dargestellt, was für die abstrakte Malweise üblich ist. Obwohl man die Distanzen zwischen den einzelnen Bildbestandteilen nur erschwert ausmachen kann, sind die vorhandenen Größenverhältnisse weitgehend korrekt. Auch die Proportionen der Tahitianerinnen machen einen weitgehend naturalistischen Eindruck. Bezüglich der Farbigkeit im Gemälde Vairumati lässt sich sagen, dass das Bild vorwiegend von Braun-, Gelb- und Orange-Tönen dominiert wird, die eher flächig als untereinander gemischt aufgetragen wurden. Als starker Kontrast dient ein grüner Streifen in der rechten Hälfte des oberen Bildrands. Aufgrund der Ergebnisse lässt sich erschließen, dass die Malweise in die Abstraktion geht und wegen der enthaltenen Symbole mit dem Symbolismus verwandt ist.
Analyse und Bedeutung der Bildbestandteile Bearbeiten
Die Rolle der Vairumati Bearbeiten
Wenn man die Zusammenstellung der Bildmotive in Vairumati betrachtet, stellt sich die Frage, welche Intention der Maler damit verfolgte. Die Antwort liegt nahe und gibt eventuell Aufschluss über Gauguins weitgehend anti-kolonialistische Einstellung.
Unter Betrachtung der Vergangenheit Tahitis kann man eine Parallele ziehen, die womöglich Aufschluss über Gauguins Aussage gibt. Als im Jahre 1767 die ersten Kolonisten unter dem britischen Offizier und Kapitän Samuel Wallis nach Tahiti kamen, bot sich den Schiffsbesatzungen ein regelrecht „paradiesisch[er]“ (Calmels, 1994, S. 89) Eindruck der gänzlich uneuropäischen Lebensweise des Inselvolkes. Vor allem die sexuelle Freizügigkeit der Tahitianerinnen begeisterte die überwiegend männlichen Kolonisten. Dieses überraschend offenherzige Verhalten, das das tahitianische Volk pflegte, kann damit in Verbindung gesetzt werden, dass die mit gewaltigen Schiffen die Insel erreichenden Europäer, an den mythologischen Oro anlehnend, gottgleich gestellt wurden. Somit stünde die Vairumati in Gauguins Gemälde symbolisch für das ausgenutzte, weibliche Volk Tahitis. Es ist auch bekannt, dass Gauguin starke Kritik an der rücksichtslosen Vorgehensweise der Kolonisten übte.
Welche verheerenden Auswirkungen die Kolonialzeit jedoch tatsächlich auf das tahitianische Volk haben würde, konnte sich wahrscheinlich nicht einmal der Künstler vorstellen. Der ungewollte Import mehrerer Krankheiten, wie Syphilis, Masern und Pocken, sowie die Einführung von Alkohol, dezimierten das anfangs auf eine Bevölkerungszahl von 150.000 Personen geschätzte Tahiti bis ins Jahr 1830 auf eine Ureinwohnerzahl von bloß noch 8000 Menschen. Neben dieser dramatischen Entwicklung verdrängten Missionare ab 1797 einen Großteil der ursprünglichen Kultur, verbreiteten europäische Moralvorstellungen und das Christentum, was Paul Gauguin schon zu früher Zeit bemerkte.
Dass der Künstler allerdings die weibliche Freizügigkeit anprangerte, kann man bezweifeln, zumal er diese selber mehrere Male erfahren durfte. Des Weiteren wirkt das Gemälde zu harmonisch und in seiner Gesamtheit zu attraktiv, als dass es einen so tief greifenden Missstand aufzeigen sollte. Demnach ist die Rolle der Vairumati im Gemälde eher eine bildhafte Darstellung seiner Bewunderung der schönen, tahitianischen Frauen.
Die Rolle des seltsamen Vogels und der Eidechse Bearbeiten
Um herauszufinden, weshalb Gauguin dieses symbolhaft erscheinende Motiv in Vairumati darstellte, muss man seine damalige Psyche berücksichtigen und weit über die Küsten Tahitis hinausschauen.
Einleitend ist zu sagen, dass es interessant zu beobachten ist, dass Vögel im Allgemeinen in einer Vielzahl von Religionen und Mythologien Anhang finden. Es ist wahrscheinlich, dass Gauguin bei der Darstellung des im Bild enthaltenen Vogels durch seine eigene Religion, das Christentum, beeinflusst wurde. Die meisten Menschen sind mit dem Bild der Taube mit dem Ölzweig im Schnabel vertraut. Der Ursprung dieses Bildes findet sich in der Bibel, im 1. Buch Mose, Kapitel 8, 6–12.
Symbolisch gesehen steht dieser Vogel mit dem Zweig heute noch für Hoffnung und Frieden.
Ähnlich wie die biblische Taube, vertritt die Taube auch in der griechischen Mythologie eine positive Rolle, da sie oftmals als Attribut für die Göttinnen der Liebe verwendet wurde.
Die Darstellung des Vogels im Gemälde Vairumati offenbart einen Sieg über die Eidechse unter ihr. Wenn man nun davon ausgeht, der Vogel stünde für das Gute, so müsste man schlussfolgern, dass die Eidechse unter ihm das Böse symbolisiert. Man könnte sie eventuell mit der Schlange aus dem alten Testament vergleichen, die Adam und Eva dazu verleitete, einen Apfel von dem von Gott verbotenen Baum zu essen. Das zeigt, dass der Schlange eine dem Vogel gegensätzliche, negative Rolle zugeschrieben wurde.
In der ozeanischen Mythologie, sprich der Mythologie des südpazifischen Ozeans, in dem auch Tahiti liegt, lassen sich ähnliche Merkmale wieder finden.
Hier verkörpert der Vogel, der das Ur-Ei gelegt hatte, demnach das Gute, die Schlange hingegen wieder das Böse.
Eine andere ozeanische Legende erzählt
Es ist möglich, dass Gauguin dieser Mythos bekannt war, zumal er viel über die tahitianische Mythologie von seiner Geliebten Tehura gelernt hatte. Er malte das Bild Vairumati, als ihn bereits starke körperliche Beschwerden quälten. Möglicherweise symbolisiert die besiegte Eidechse unter dem Vogel die Unmöglichkeit einer mythologischen Häutung und somit die Hoffnungslosigkeit auf die Genesung von seinen Blessuren und Erkrankungen.
Die am plausibelsten erscheinende Erklärung, welche Absicht Paul Gauguin mit dem behandelten Bildmotiv verfolgte, liegt anderswo. Um diese Frage zu beantworten, muss man einerseits ein weiteres Gemälde des Künstlers berücksichtigen und zweitens die Mythologie eines weit entfernten Landes miteinbeziehen. Kurz vor seinem Selbstmordversuch 1898 malte Gauguin fernab von jeglicher Zivilisation noch das bedeutende Werk Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?, welches den Lebenslauf einer Inselbewohnerin von der Geburt bis zum Tod darstellt.
Der bemerkenswerteste Aspekt des Gemäldes ist, dass sich dasselbe Symbol des Vogels und der Eidechse, welches Gauguin erstmals in Vairumati darstellte, auch hier in der linken, unteren Bildhälfte wiederfindet. Es schließt das Bild hier insofern ab, dass es sich als letztes Motiv nach der stark gealterten Tahitianerin wiederfindet. Auf dieses Bild lässt sich einerseits der ozeanische Mythos beziehen, der die Sterblichkeit der Menschen in Abhängigkeit vom Verbot der Häutung behandelt. Zudem erinnert die gealterte Frau regelrecht an den Gauguin der 90er Jahre, einen psychisch und physisch leidenden Mann, der deprimiert auf den Tod wartete.
1898 schrieb Gauguin einige wenige Sätze bezüglich der Bildmotive seines Werkes Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?:
Diese Passage gibt weitgehend Aufschluss über die Intention des Vogels, es deutet auch auf Gauguins baldige zunehmend gleichgültigere Einstellung hin. Der Begriff „seltsam“ lässt einige Fragen offen, deren Antworten man wiederum woanders suchen muss. Unter Betrachtung von Gauguins Verfassung kann man eine Verbindung zwischen dem Symbol des Vogels und der Eidechse und einer Göttergestalt aus der indischen Mythologie ziehen. Man kann annehmen, dass Gauguin bei der Darstellung dieses Bildmotivs vom sagenhaften Garuda inspiriert war, ein den Menschen freundlich gesinntem Wesen, welches oftmals als Mensch mit Vogelkopf und Flügeln dargestellt wurde. Garuda, wie so viele andere Vögel auch, symbolisiert das Gute und ist somit den Menschen ein Freund. Was in besonderem Maße auffällt, ist, dass es heißt:
Dieser Mythos lässt sich hervorragend auf Gauguins letzte Lebensjahre beziehen. Es ist bekannt, dass der psychisch angeschlagene Künstler nach seinem fehlgeschlagenen Suizidversuch sein Schicksal auf gleichgültige Weise akzeptierte und deprimiert auf seinen Tod wartete. Wenn diese Theorie bezüglich der Symbolik des Motivs korrekt ist, dann sollte der Vogel in Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? und auch in Vairumati, ähnlich der biblischen Friedenstaube, ein Symbol der Hoffnung sein.
Geschichte - Provenienz Bearbeiten
Ab 1898 in der Sammlung Ambroise Vollard
Sammlung Kojiro Matsukata
1959, vom Staat als Abtretung in Anwendung des Friedensvertrags mit Japan angenommen.
1959, dem Musée du Louvre, Paris, zugewiesen
Von 1959 bis 1986, Musée du Louvre, Galerie du Jeu de Paume, Paris
1986, dem Musée d’Orsay, Paris, zugewiesen
Ausstellungen Bearbeiten
• Eröffnungsausstellung Französischer Kunst - The California Palace of the Legion of Honor, San Francisco, 1924 - 1925
• Les origines de l'art contemporain - Maison d'art alsacienne - 1947 Gauguin Ausstellung zum 100-jährigen Jubiläum - Musée de l'Orangerie, Paris, 1949
• French symbolist painters: Moreau, Puvis de Chavannes, Redon and their followers - Hayward Gallery, London, 1972
• French symbolist painters: Moreau, Puvis de Chavannes, Redon and their followers - Walker Art Gallery, Liverpool, 1972
• The old Matsukata Collection City museum, Kobe, 1989
• Paris in the late 19th century - National Gallery of Australia, Canberra, 1996 - 1997
• Paris in the late 19th century - Queensland Art Gallery, Brisbane, 1997
• Gauguin-Tahiti: L'atelier des tropiques Galeries nationales du Grand Palais - Paris, 2003 - 2004
• Gauguin-Tahiti: L'atelier des tropiques - Museum of Fine Arts, Boston, 2004
• De Cézanne à Picasso, chefs-d'oeuvre de la galerie Vollard - Musée d’Orsay, Paris, 2007
• Prêt exceptionnel - Musée des Beaux-Arts, Tournai, 2010 - 2011
• Gauguin: Artist as Alchemist - The Art Institute of Chicago, Chicago, 2017
• Gauguin l'Alchimiste - Galeries nationales du Grand Palais, 2017 - 2018
Literatur Bearbeiten
• Georges Wildenstein: Gauguin. Werkkatalog, Band 1, Paris, 1964, n°559
• Hélène Adhémar, Anne Dayez-Distel: Musée du Jeu de Paume - Catalogue rédigé, Paris, Editions des musées nationaux, 1977, p.151, reprod. p.46
• Gabriele Mandel Sugana: Tout l'oeuvre peint de Gauguin, Paris, Flammarion, 1981, n°379
• Isabelle Compin, Anne Roquebert: Catalogue sommaire illustré des peintures du Musée du Louvre et du Musée d’Orsay, Paris, Réunion des musées nationaux, 1986, vol.3, p.268
• Isabelle Compin, Geneviève Lacambre, Anne Roquebert: Musée d’Orsay. Catalogue sommaire illustré des peintures, Paris, Réunion des musées nationaux, 1990, vol.1, p.205
• Stéphane Guégan: Gauguin, Paris, Musée d’Orsay, 2011, p.22-23, reprod. p.22 (Detail p.33 )
Einzelnachweise Bearbeiten
- Vairumati - Paul Gauguin | Musée d'Orsay. Abgerufen am 16. September 2022.
- Matsukata Collection｜The National Museum of Western Art. Abgerufen am 16. September 2022.